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Requiem

Muere la soprano catalana Montserrat Figueras

Montserrat Figueras / Foto: David Ignaszewsky / Fuente: www.alia-vox.com

La soprano catalana Montserrat Figueras, referente en la interpretación de la música antigua, falleció la madrugada del miércoles en Bellatera, Barcelona, a los 69 años de edad. Pareja musical y sentimental de Jordi Savall, Figueras será recordada no sólo por su espléndida voz, sino por explorar y enriquecer con su esposo el repertorio de la música europea a través de la creación de los ensambles Hespèrion XXI La Capella Reial de Catalunya y Le Concert des Nations, así como mediante la fundación del sello disquero Alia Vox.

La soprano inició su formación musical con Jordi Albareda y a partir de la mitad de la década de los 60 se abocó a estudiar técnicas de canto antiguas. Continuó su preparacióncon con Kurt Widmer, Andrea von Rahm y Thomas Binkeley. En 1968 contrajo matrimonio con Jordi Savall con el que participó en la grabación de más de 60 discos. Esta faceta de su carrera fue reconocida con galardones como el Grand Prix de l’Academie du Disque Français, Edison Klasik, el Grand Prix de l’Académie Charles Cross y un Grammy por el libro-CD Dinastía Borgia. De igual forma fue distinguida con La Orden de las Artes y las Letras que otorga el gobierno francés.

Jordi Savall se presentaría este fin de semana en el Festival de Música de Morelia pero se vio obligado a cancelar su viaje ante el delicado estado de salud de su esposa. En el mensaje enviado al público mexicano para comunicar su decisión, Savall dijo: ” Sentimos muchísimo no poder estar con ustedes en estos conciertos en México, a causa de la grave enfermedad que está sufriendo mi esposa Montserrat Figueras. Espero que comprendan que en estos momentos tan dramáticos, el amor y la vida de un ser tan querido son más importantes que todas las músicas del mundo.”


Recordando a Milton Babbitt: Un compositor académico y cerebral – con afinidad por la música popular

Milton Babbitt / Fuente: www.npr.org

Por Juan Garcia-Bazan

No es nada raro encontrarnos con grandes compositores que murieron en el olvido o peor aún, desacreditados. Bach murió sin el reconocimiento que se le debía; Schubert sobrevivía gracias a un pequeño grupo que logró ver su talento y lo apoyaba económica y artísticamente pero murió pobre y casi en el anonimato; Mahler habría sido olvidado si no fuese gracias a Leonard Bernstein quien revivió su música en los años 60; en fin, ejemplos como éstos sobran. Sin embargo, el pasado 29 de Enero del 2011 ocurrió un hecho mucho más extraño, murió un compositor que no solo no logró el reconocimiento que se merecía en vida sino que su carrera artística fue eclipsada por ser catalogado como puramente cerebral y académico debido a sus métodos de composición. Su música se posicionó como exclusiva para la élite musical e incluso fue rechazada por directores y orquestas de la talla de Riccardo Muti y la Orquesta de Filadelfia.

Pero, durante toda su carrera, Milton Babbitt aceptó y adoptó aquellas palabras y términos que se usaban en forma despectiva contra él. Siempre mantuvo una postura firme y elitista con referencia a la música avanzada ya que nunca vio la necesidad de que ésta fuese compartida con el público general. Sugirió que al igual que el público “normal” no tiene ni voz ni voto en temas de Física avanzada o Investigación Médica de punta, tampoco tenían por qué ser incluidos o tomados en cuenta durante el proceso creativo de la música avanzada y/o la investigación musical. De hecho, en 1958 se publicó un artículo escrito por Babbitt, en la revista High Fidelity, titulado ¿A quién le importa si lo escuchas?, donde planteó que la música avanzada era “para, de y por especialistas en el tema”. Desgraciadamente Babbitt ganó un gran número de enemigos con un título como tal (incluyendo compositores contemporáneos). Sin embargo, la realidad es que dicho título fue cambiado sin su autorización – originalmente el artículo fue titulado por Babbitt como “El Compositor como Especialista”. No obstante, muchos de sus logros musicales fueron opacados por las etiquetas de elitista y arrogante que resultaron de ese texto. Pero elitista o no, Babbitt también tenía un conocimiento insuperable de la música popular americana (Tin Pan Alley), incluso fue maestro del compositor de música para teatro Stephen Sondheim. De igual forma compuso piezas adoptando la corriente del Third Stream creada por Gunther Schuller, como por ejemplo “All Set” escrita para ensamble de Jazz mostrando así una admirable flexibilidad artística…eso sí, muy al estilo americano.

Babbitt, quien nació el 10 de Mayo de 1916 en Filadelfia y murió el pasado 29 de Enero del 2011 en Princeton, New Jersey; puede ser un compositor que el público no ubique como primordial en la música del siglo XX pero su influencia en técnicas de composición y desarrollo de sintetizadores es sin duda monumental. Babbitt fue el primer compositor en tomar el concepto del Serialismo (creado por Arnold Schoenberg) y llevarlo a su nivel máximo donde no solo se trabaja con una serie tonal sino que se ‘serializa’ cada aspecto de la música incluyendo tempos, duración de las notas, dinámicas, articulaciones, etcétera. Evidentemente, este es un método quasi-matemático que alude a los primeros intereses académicos de Babbitt. Incluso, el compositor fue contratado durante la Segunda Guerra Mundial por el gobierno Estadounidense para realizar investigaciones matemáticas secretas. Sin duda el músico americano utilizaba de la misma forma un procedimiento altamente científico e investigativo en sus composiciones.

Como resultado de su serialización total, Babbitt comenzó a sufrir los percances de la interpretación humana ya que algunas de sus indicaciones eran involuntariamente omitidas por los intérpretes. Fue así como el compositor vio una perfecta oportunidad cuando fue invitado a trabajar en el desarrollo del primer sintetizador programable RCA Mark II. Con esto comenzó su período de composición electrónica la cual fusionó con instrumentos o voces en vivo, tal como Philomel (escrita para soprano y acompañamiento de sintetizador). Más que interesado en generar nuevos sonidos, Babbitt encontró una solución a su eterno problema de precisión en la interpretación.

La estructura en las obras de Babbitt da la impresión de haber sido realizadas por la mano de un cirujano. Son de una precisión extrema, en las que cada dinámica, cada timbre o cada articulación juega un papel protagónico en el balance de la pieza. Por ello es que Babbitt adoptó con brazos abiertos la inclusión de sintetizadores automatizados en sus conciertos. Solía decir que no había mejor sentimiento que el de entrar un día al estudio de grabación y salir ese mismo día con la cinta de su grabación final bajo el brazo. No obstante, cualquier persona que no esté familiarizada con la complejidad estructural de Babbitt y simplemente lo escuche pasajeramente, podrá notar también un contenido melódico extraordinario que logra atrapar a aquellos dispuestos a abrir sus oídos.

Babbit, al igual que Mahler, es un compositor que resucitará musicalmente dentro de algunos años, es simplemente cuestión de tiempo. Es probablemente el músico americano olvidado más importante de la historia y de mayor influencia. Sin duda, su música nunca será del gusto de todo el mundo pero bastaría con poder colocarlo en la cultura general de la gente como el pilar que fue para la música contemporánea. Se necesitan músicos como Gunther Schuller o James Levine, quien comisionó piezas de Babbitt para la Orquesta del Metropolitan Opera House y la Sinfónica de Boston, para lograr que la gente mencione su nombre con la misma familiaridad que el de Stravinsky – aunque a duras penas sepan que es el compositor de La consagración de la primavera.


Adiós a Joan Sutherland

Joan Sutherland / Fuente: www.deccaclassics.com / Foto: Tony Hauser

Tristemente nos enteramos de la muerte de la soprano Joan Sutherland (1926-2010) que con Maria Callas es recordada como una de las figuras más representativas del mundo de la ópera de la posguerra.

Nacida en Sidney, Sutherland debutó en aquella ciudad 1947 en el papel de Dido en una versión de concierto de la ópera Dido y Eneas de Purcell. Su primer aparición en el escenario se llevó a cabo en Judith del compositor británico Eugene Aynsley Goossens. Cursó estudios en la Escuela de Ópera del Colegio Real de Música de Londres. Obtuvo trabajo con la Ópera Real del Covent Garden con la que debutó  en 1952 y realizó pequeños papeles.

Sutherland intentó incursionar en el repertorio wagneriano, pero fue su marido el pianista Richard Bonynge quien la convenció de consolidarse como una soprano de coloratura. Construyo un repertorio diverso a partir de la interpretación de óperas de autores tan distintos como Verdi, Weber, Poulenc, Britten, Händel y Tippett (quien escribió para el papel de Jenifer de la ópera The Midsummer Marriage).

Muy recordadas son su participación como Lucía di Lammermoor en la producción de Franco Zefirrelli, dirigida por Tullio Serafin de 1959 que le aseguró un lugar en las más importantes casas de ópera del mundo. También resultan muy apreciadas sus participaciones como Fenice en Alcina de Händel, después de la cual comenzó a ser llamada La Stupenda; La Traviata y Rigoletto de Verdi, Los cuentos de Hoffmann de Jacques Offenbach, Norma de Bellini y La hija del regimiento de Donizetti por mencionar sólo algunas. Sin embargo, Sutherland declaró en una entrevista realizada por The Guardian en 2002 que su mayor éxito fue la interpretación de Esclarmonde de Massenet.

Su retiró de los escenarios se produjo en 1990 ofreciendo una representación de Die Fledermaus en el Covent Garden, al lado de la mezzosoprano Marilyn Horne y el tenor también ya desaparecido Luciano Pavarotti.

Su muerte ocurrió el 10 de octubre en su casa cercana a Montreaux, Suiza.

Joan Sutherland como Lucía de Lammermoor


RIP Sir Charles Mackerras (1925-2010)

Sir Charles Mackerras / Fuente: www.philharmonia.co.uk

El 14 de julio falleció en Sidney, Australia, uno de los compositores más emblemáticos del siglo XX. Nacido en  los Estados Unidos, de padres australianos, Sir Charles Mackerras realizó sus estudios musicales en Sydney y Praga. De ahí su profundo amor por la tradición checa. Realizó su debut como director en el teatro londinense de Sadler’s Wells que más tarde se convertiría en la Ópera Nacional de Inglaterra (England National Opera).

Entre otras importantes casas dirigió a la Ópera de Hamburgo, la Ópera Nacional de Galés, la ya citada ENO y la Ópera de Sydney. De hecho fue el conductor encargado de brindar el primer concierto en la Sydney Opera House. También fue director asociado de la Royal Opera House y el Metropolitan Opera House.

Además de dirigir desde el foso también fue huésped de orquestas tan importantes como la Philarmonia y la Filarmónica Checa y la de Berlín.

Recordado por su valioso legado discográfico integrado por numerosas versiones de referencia. Entre sus interpretaciones más recordadas se encuentran las grabaciones de Los Reales Fuegos de Artificio de Händel y el rescate de la música checa, particularmente la compuesta por Leos Janácek.

Sir Charles Mackerras fue uno de los responsables de haber impulsado la interpretación de la música antigua de la manera más fidedigna posible. Un camino que sería retomado por artistas como Nikolaus Harnoncourt entre otros. Hay que recordar que ya adentrados en la segunda mitad del siglo XX, la música antigua, especialmente la barroca, se seguía escuchando en arreglos realizados por personalidades como Leopold Stokowski y que “traducían” ese sonido a la música orquestal y la mentalidad musical de nuestro tiempo.


Adiós a Giuseppe Taddei (1916-2010)

Giuseppe Taddei / Fuente: www.gramophone.co.uk / Foto: Tully Potter Collection

En la ópera se echará de menos al barítono italiano Giuseppe Taddei que se hizo famoso por sus interpretaciones de las óperas de Mozart, Rossini, Puccini y Verdi. Prácticamente se presentó en todas las casas de ópera europeas de importancia y alternó con personalidades como Elisabeth Schwarzkopf, Renata Scotto, Joan Sutherland, Mirella Freni, Herbert von Karajan y el productor Walter Legge.

En México se le recuerdo por su participación al lado de María Callas en las puestas en escena de La Traviata y Aida, en 1951. De hecho, sus presentaciones en el Palacio de Bellas Artes constituyeron su debut en el continente Americano. Aunque se le escucharía en otras importantes casas como la Ópera Lírica de Chicago, el Teatro Colón y la Ópera de San Francisco, su primera aparición en el Met se produjo, a los 69 años de edad, en 1985. El italiano falleció en Roma el 2 de junio.


Muere Annaliese Rothenberger (1921-2010)

Anneliese Rothenberger / Fuente: www.emiclassics.com

En el mundo de la ópera alemana se extrañará la presencia de Anneliese Rothenberger (1921-2010). La soprano falleció, a los 83 años de edad, en un hospital cercano a su residencia de Salenstein, Suiza (24.05.2010). En 1948 ingresó a la Ópera Estatal de Hamburgo, conforme su carrera se fue desarrollando colaboró con casas de mayor envergadura hasta trabajar en la Ópera de Viena, el Teatro Bolshoi, la Scala de Milán, el Met de Nueva York y el Festival de Salzburgo.

Muchos críticos la consideran la cantante de ópera más popular de la posguerra en Alemania por su participación en diversos programas de televisión, al estilo de Beverly Sills. En particular, el público recuerda las series Anneliese Rothenberger presenta, Melodías para millones y El concierto dominical de ZDF.


R. I. P. Giuletta Simionato

Giuletta Simionato/ Fuente: www.greatsingers.org

Giuletta Simionato (1910-2010) es recordada con cariño en México por haber compartido el escenario con María Callas en el Palacio de Bellas Artes durante la mítica presentación de Aida en 1950. La mezzo-soprano, desarrolló una exitosa carrera que incluyó presentaciones en el Covent Garden, el Met, la Ópera Lírica de Chicago, la estatal de Viena, La Scala y el Festival de Salzburgo. Simionato construyó una interesante carrera discográfica y trabajó al lado de Joan Sutherland, Franco Corelli, Leontyne Price y Herbert von Karajan. Lamentablemente, el pasado 5 de mayo se anunció su fallecimiento en la ciudad de Roma. Descanse en paz.


Adiós a Wolfgang Wagner (1919-2010)

Wolfgang Wagner/ Fuente: www.bayreuther-festspiele.de

Durante este 2010, el mundo de la música clásica ha sufrido sensibles pérdidas. Una de las más profundas es el fallecimiento de Wolfgang Wagner (21.03.10) Nieto del célebre compositor Richard Wagner, fue nada más ni nada menos que uno de los responsables de devolver brillo al festival que su abuelo fundó para servir como gran marco a su obra.

Hay que recordar que después de la Segunda Guerra Mundial, Bayreuth quedó sumido en el fango del desprestigio pues el régimen nazi lo había utilizado como una más de sus herramientas de propaganda. Wolfgang y su hermano Wieland refundaron el festival e invitaron a participar en las producciones a cantantes como Régine Crespin y Birgit Nilsson, directores como Herbert von Karajan y Pierre Boulez y personalidades de la escena como Patrice Chéreau y Werner Herzog. Con el fallecimiento de Wolfgang Wagner se da por concluida una etapa histórica del festival que dirigió durante 57 años, hasta su renuncia en 2008.


Muere Bernard Coutaz

Bernard Coutaz, fundador de Harmonia Mundi / Fuente: www.harmoniamundi.com

El sitio oficial del sello discográfico Harmonia Mundi anunció el fallecimiento de su fundador y director, Bernard Coutaz, que dejó de existir, a la edad de 87 años, la tarde del pasado 26 de febrero. El deceso ocurrió en la localidad de Arles donde tiene sede la empresa.

Durante su juventud Bernard Coutaz pensó en dedicar su vida al sacerdocio  pero se dio  cuenta que esa decisión implicaba renunciar a las mujeres, algo a lo que no estaba dispuesto. Entre sus grandes pasiones pueden mencionarse la literatura y  la música. Precisamente su amor por las artes lo motivó a fundar su propio sello disquero, para lo cual recorrió Europa en compañía de un amigo, dos caballos y un equipo de grabación. Así se dio a la tarea de grabar obras interpretadas en órganos históricos, sentando los cimientos de lo que quizá es la colección de música sacra más valiosa de la historia de la industria discográfica.  La elección de registrar repertorio para órgano se basó en términos económicos pues sólo se requería un intérprete, un par de micrófonos y un ingeniero.

Durante 2008, Harmonia Mundi celebró sus primeros cincuenta años de vida. Coutaz estaba orgulloso de su modelo de negocios. El sello francés ha sido un ejemplo a seguir para la industria, pues a pesar  de que la gran mayoría de las decisiones se toman considerando criterios artísticos más que económicos, la empresa se ha mantenido vigente e incluso ha logrado abrir más de 40 tiendas en Europa, así como oficinas en Alemania, Holanda, España, Inglaterra y Estados Unidos.  Prueba del éxito obtenido son las aproximadamente 60 nuevas producciones que cada año son lanzadas por Harmonia Mundi. No existe otro sello que grabe más discos de música clásica en el mundo. Por los estudios de la empresa  han pasado músicos tan importantes como Alfred Deller y René Jacobs que nunca necesitaron firmar un contrato pues tenían absoluta confianza en el trabajo del legendario productor francés.

Recientemente  la dirección del sello disquero fue transferida por el señor Coutaz a su esposa Eva, quien anunció que el equipo de trabajo de Harmonia Mundi se esforzará por perpetuar el legado y espíritu de la empresa que fundó su marido.

Para conocer más sobre el trabajo de Bernard Coutaz, los invitamos a leer la entrevista que Emilio Sánchez y Sergio Rivera realizaron a Isabel Lecea San Román, Gerente de Exportación de la pequeña empresa francesa .


Muere el príncipe del Pop(s)

Erich Kunzel/ Fuente: erichkunzel.com

Poseedor de una discografía impresionante (más de 80 grabaciones), multiganador del premio Grammy, vendedor de 10 millones de copias, el príncipe del Pop(s) se ha ido. Erich Kunzel, el celebrado director fundador de la Cincinnati Pops Orchestra, dejó de existir a la edad de 74 años el 1o de septiembre en Maine, debido a complicaciones derivadas del cáncer que padecía.

Egresado de Harvard y Brown, hizo su debut como director en 1957, en Santa Fé, Nuevo México. Kunzel fue alumno de Pierre Monteux; pronto se convertiría en director asistente de la Sinfónica de Cincinnati. A partir de entonces inició una sólida carrera en aquella ciudad. En 1977, decidió fundar su propia orquesta: la Cincinnati Pops, frente a la que permaneció por más de tres décadas. Sin embargo, también fue conductor huésped de las sinfónicas de Chicago, Cleveland y San Francisco entre otras. Aunque a menudo dirigió las obras más importantes del repertorio sinfónico, pronto comenzó a ser admirado por sus intepretaciones de música ligera como valses vieneses, marchas de John Philip Souza y música escrita para películas y teatro.

El 1o de agosto de 2009 será recordando como el último día que Kunz dirigió a la Cincinnati Pops. El concierto se llevó a cabo en Riverbend, la sala de conciertos donde la orquesta se presenta durante el verano.


Muere el compositor, pianista y director Lukas Foss

44835159Martes 3 de febrero de 2009.- El compositor germano-estadounidense Lukas Foss (originalmente Fuchs) falleció el 1o de febrero en la ciudad de Nueva York, a la edad de 86 años, según informó su esposa Cornelia.

Nacido en Berlín, probablemente el 15 de agosto de 1922 (el propio compositor tenía dudas sobre la fecha exacta de su nacimiento), inició sus estudios de piano, teoría musical y composición con Julius Goldstein Herford. A la edad de 11 escribió una primera ópera que dio cuenta de su talento como compositor. Cuando el régimen nacional-socialista tomó el poder, su familia se mudó a París y Lukas tuvo la oportunidad de continuar sus estudios musicales en el Conservatorio de aquella ciudad. En 1937, los Fuchs cambiaron su residencia definitivamente a los Estados Unidos y Lukas Foss ingresó al Instituto de Música de Filadelfia. Entre sus maestros pueden mencionarse a la pianista Isabelle Vengerova, al director Fritz Reiner y los compositores Rosario Scalero y Randall Thompson.

Entre 1939 y 1943 fue alumno de Sergei Koussevitzky en el Berkshire Music Center y de Paul Hindemith en Yale University. Su primera gran comisión fue la música incidental para la puesta en escena de la Tempestad de Shakespeare, aunque fue su cantata “The Prairie”, estrenada por Koussevitzky y la Sinfónica de Boston en 1944, la que le valió ganar el premio del círculo de la crítica de Nueva York y ser considerado parte de una importante generación de compositores estadounidenses.

Sergei Koussevitzky no sólo impulsó su trabajo como compositor, sino que le le ofreció un puesto como pianista en la orquesta, lo que le permitió conseguir un trabajo que le dejaba suficiente tiempo para escribir música.

Como compositor fue considerado una de las voces más influyentes de su generación integrada, entre otros, por Aaron Copland, Samuel Barber, Eliott Carter y Leonard Bernstein. Su obra se destacó por su estilo avant-garde, transitando de las diversas técnicas del serialismo, a la música electrónica, el minimalismo y la improvisación y la combinación de lenguajes aparentemente opuestos.

En un primer periodo su música fue tonal y ecléctica. A esta estapa corresponden obras como su Cuarteto para cuerdas No. 1, el ciclo Canción de canciones, su ópera “The Jumping Frog of Calaveras County”. Directores tan importantes como George Szell, Fritz Reiner, Ernest Ansermet y Eugene Ormandy se encargaron de interpretar su música.

Como director Lukas Foss es recordado como un campeón de la música de los compositores estadounidenses, así como por tomar la titularidad de orquestas de mediana importancia y elevar su nivel. Como parte de su labor al frente de la Filarmónica de Buffalo entabló una relación con la Universidad Estatal de Nueva York en Búfalo que convirtió a la ciudad en un laboratorio musical. En 1971 asumió la dirección de la Filarmónica de Brooklyn a la que convirtió en un ensamble de carácter comunitario de gran vitalidad. De igual forma en la década de los 70 dirigió a la Sinfónica de Jerusalén y en la década de los 80 a la Sinfónica de Milwaukee. En una entrevista realizada por la revista New York Arts fue cuestionado sobre sus razones para dirigir. Foss contestó: “Amo hacer el amor con el pasado… Mientras mis composiciones están más llenas de exploración y experimentación mayor es mi necesidad de mantener mi vínculo con Bach, Mozart, Beethoven, Wagner, Verdi, Handel y Schubert”.Después de haber dejado la Filarmónica de Brooklyn, dirigió el Music Festival of the Hamptons y continuó apareciendo como director huésped y como concertista con diversas orquestas.

Un punto crucial en su carrera fue asumir la dirección del departamento de composición de la Universidad de California en Los Angeles, en sustitución de Arnold Schoenberg. Desde su nueva posición, animó a sus estudiantes a “librarse de la tiranía de la música impresa” e improvisar, lo que también se vio reflejado en sus propia música con la formación del Improvisation Chamber Ensemble.

A partir de la década de los 80, su producción se volvió más accesible para el escucha, aunque Foos nunca consideró que estuviera realizando concesiones. Al respecto, en una entrevista concedida a The Times comento: “No estoy seguro que mis trabajos realizados posteriormente a mi periodo llamado avant-garde sean menos aventurados… el asunto es que ahora puedo ser tan loco tonalmente como antes lo fui atonalmente, loco en el sentido de inesperado. Le sobreviven su esposa, su hijo Christopher y su hija Eliza.

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